Influencias conceptuales y plásticas del minimalismo y pop art sobre los nuevos medios de crear arte.

En los años sesenta se comenzó a asimilar el uso de tecnologías y los medios de comunicación. El minimalismo y el pop art mostraban algunos de los primeros indicios de valores estéticos y conceptuales que ahora podemos experimentar en nuevos medios digitales. Sus creaciones no eran acerca de la experiencia personal y excluían lo pictórico y ficticio a favor de lo literal transformando el acto de ver en algo parecido a un espectáculo como ahora podrían ser las muestras de arte sonoro y luz, proyecciones en espacios y edificios etc.

En el pop art, por ejemplo, se utilizaban impresiones de imágenes repetitivas, la fotografía e imágenes producidas mecánicamente y en forma masiva incluían la imaginería de la cultura popular. "The independent group" formado en Londres en 1952 considerados los precursores del pop art, utilizaron los anuncios masivos, ciencia ficción y la tecnología en su trabajo. Si bien los medios digitales no siempre utilizan las imágenes comerciales si usan los medios de comunicación (televisión, radio, Internet etc.) como su medio de expresión para hablar de esos mismos medios, su lenguaje y su forma de comunicar o de otra cosa a partir de esos mismos lenguajes.

Otra corriente fue el minimalismo que fue uno de los primeros movimientos que involucraron la participación del espectador y su relación con el espacio. La esencia de las cosas y su identidad se mostraba eliminando todas las formas no esenciales, reducían al arte a la pura superficie, forma y afección del espacio por los objetos. La abstracción geométrica mostraba un primer acercamiento a estructuras matemáticas como lenguaje artístico.
Las esculturas minimalistas eran hechas con materiales industriales como metal, leds, plástico, materiales de construcción etc. Hablan de la industrialización, de la falta de personalidad, del espacio.

Ambos movimientos, el pop y el minimalismo se sirvieron de las tecnologías de los medios de comunicación al tiempo que exploraban las posibilidades culturales y estéticos de los mismos. Se centraban más en las ideas que en los objetos mismos los cuales creaban impersonalmente, sin sentimentalismos, los materiales eran efímeros para la memoria como los hechos modernos.
Así como el minimalismo y el arte pop hacían referencia a la cultura comercial a la vez que esa cultura estaba inmersa en sus creaciones, el arte producido con medios digitales trata las cuestiones sociales y estéticas del momento, hablan de la cultura comercial dominante que es el Internet y todos los factores de esta que se involucran y forman parte de nuestra percepción del mundo. La no linealidad de la información, la capacidad de establecer enlaces, crear nuevas realidades con nuevos medios.

John Cage, investigación y reseña crítica sobre "Digital art"

John Cage fue un músico que prefirió la experimentación sobre la composición, escribió en 1937 una especie de manifiesto acerca de su obra personal "The future of music, Credo" en el que estableció al siglo XX como el siglo de la máquina, le dio la mayor importancia a los ruidos  de la vida urbana y a los nuevos inventos tecnológicos. Pensaba que la música debía responder a esos cambios y descubrir la naturaleza de esos ruidos. Al igual que Luigi Russolo, pero con una intención más cercana a lo espiritual, John Cage usaba los sonidos urbanos en sus piezas, le desagradaba esa propensión a organizar el sonido. Cage no tenía nada que ordenar ni armonizar. Buscaba la pureza auditiva y consideraba al arte como un fin terapéutico en donde la aceptación de lo real y cotidiano eran la forma para trascender en y con el mundo. Recurrió al uso del azar para evitar toda intención personal en sus sonidos.

Cage nos mostró cómo la imaginación surge después y como resultado del arte, no utiliza ni la imaginación ni la memoria como medio. Crea un puente que va de lo real inmediato y cotidiano a la contemplación espiritual. Estos aspectos están presentes en su obra "Imaginary Landscape No. 4" en la que experimentaba con la frecuencia y volumen de doce radios. No se escuchaba la radio, lo que se presentaba a los oídos era la pura frecuencia y sonido en bruto al igual que la capacidad del hombre para controlar ciertos aspectos sin la intención de manipularlos ya que depende de elementos aleatorios imposibles de repetir exactamente igual; influye el lugar y la hora, el tiempo y el espacio. Caminos únicos para llegar a la información, conocimiento y apreciación de la vida diaria con los sentidos renovados.

La que es posiblemente su pieza más famosa "4:33" muestra la mezcla de sonidos y silencios como la forma básica de toda composición. Con esta pieza elimina toda jerarquía posible, lo único que se necesita y al final lo único que se tiene es la disposición para escuchar los sonidos que producía la misma apreciación de la pieza.

La necesidades más primitivas del ser humano se hacían evidentes permitiendo la creación de un hombre nuevo, puro. A través de la asimilación de la experiencia se pueden crear y conocer nuevas realidades. Entender y aceptar, flujo constante de experiencias. Caos, silencio y ruido se hacen presentes, las hacemos posibles con nuestra sola existencia. No se necesitaba más para poder escapar de la condición humana fría y falsa; para la transformación de los sentidos y revolucionar las mentes. Primero una transformación personal, luego la realidad. Se trata de percibir de nuevo, llegar al estado espiritual del hombre con los elementos diarios.

En una ocasión tocó la pieza "Vexations" ochocientas cuarenta veces seguidas con el pretexto de que así se refinaría la sensibilidad auditiva a través de una repetición que tranquiliza, que hace asimilables las situaciones. En 1952 John Cage participó en el primer happening llevado a cabo en el Black Mountain College. Una combinación de experiencias artísticas no planteadas mas si experimentadas de una forma pura y sincera.
John Cage buscaba eliminar la distinción entre arte y vida apreciando cada uno de los ruidos que conforman el trasfondo sonoro de la existencia, el arte nos ofrece la posibilidad de una correcta asimilación del entorno para poder seguir viviendo pero libres de toda idea no experimentada; a través de su obra podemos crear nuestras propias ideas y borrar todo pasado, concepto y teoría. Una relación con el mundo basada en la experimentación que permite el autoconoscimiento y la transformación individual.

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Algoritmo

Cómo preparar té.

Para preparar té primero busco las hierbas que se me antojan
Veo si son de bolsita (instantáneos, de esos que se compran en el super)
o si son mas bien medicinales (de esos que compras en el mercado con nombres extraños)
pongo agua a hervir (si no tengo flojera) o meto mi taza al microondas( si tengo flojera) y le pongo un minuto y diez segundos. 
Si es en una olla no dejo que el agua hierva, le apago al fuego poquito antes.
Siempre uso la misma taza, la café con un paisaje de no sé donde.
Vierto el agua despacio
Escucho atentamente cómo el agua, por lo caliente, hace ruido.
Sumerjo la bolsita y la saco, así tres veces.
Caliento mis manos con la taza, respiro el vapor
Me aseguro de no quemarme la lengua y bebo con temor, siempre.
Después bebo normal.
Exprimo la bolsita hasta el último y le arranco el hilo.
Dejo la taza en el mismo lugar en donde bebí el té como un día.

Sobre el libro "Después de la fotografía"

Percepciones en constante movimiento, esto fue para mí el punto clave del libro. La descentralización de los significados y significantes continuamente relacionándose en nuevos contextos, creando nuevos significados. Ya no hay linealidad, las imágenes se dividen para abarcar más, por ejemplo, en la publicidad.
Se crearon íconos de belleza y perfección que ahora se ven relacionados con todas las fases y acciones de la vida cotidiana. Los anhelamos y vamos adquiriéndolos como propios.

Ante esta invasión de imágenes la lectura y su interpretación cambian. La fotografía y en general la imagen se convierte en la mirada universal, lo que vemos y a la vez en lo que basamos nuestras propias experiencias. Como un círculo.
Se usa la fotografía para representar el presente y la observamos como presente, ya no parece haber una conciencia clara de la idea de pasado representada en la fotografía. Esto es más claro en el fotoperiodismo y toda la publicidad.
Espectadores vacíos, seguidores de una percepción colectiva en donde fotografiar puede ser algo significativo y diferente o tan solo una idea más desprendida del estereotipo general.

La acumulación de imágenes sólo nos demuestra cómo no somos parte de eso, no existimos en esa mirada colectiva pero la conservamos tomándola como modelo.
A veces anhelo un mundo sin imágenes, en donde la percepción siga siendo por parte de los sentidos más puros del cuerpo y poder volver a empezar.

Acerca de mi experiendia intentando procesar.

Pude notar una extraña relación entre el lenguaje de programación y las formas de crear algo visual sin la tecnología. Todos son elementos continuamente relacionándose entre si, de una forma rígida e increíblemente coherente. La configuración de ese lenguaje puede ser la creación misma, en su forma más pura sin lo visual. Me refiero a la experiencia de familiarizarte con ese lenguaje.
Los axiomas impiden la manifestación de algo absurdo aunque es parte de esta rigidez la que detesto.

Futurismo, constructivismo y nuevos medios tecnológicos.

Siempre llega un momento en que el mundo parece dejar atrás al arte, cuando ya no es suficiente y es indispensable ubicarse en tiempo y espacio para entender lo que pasa y lo que pasará con nosotros. El futurismo en Italia y el Constructivismo en Rusia se dieron en fechas parecidas, un sentimiento de que había que liberar al arte de antiguas y gastadas técnicas y medios expresivos, ofrecer otras salidas al pensamiento invadía a ambos movimientos. Sintieron que debían renovar el arte y estar de acuerdo a tiempos modernos, necesitaban entender y dominar los cambios producidos en la sociedad a partir de la revolución industrial. La vida antes y después de las máquinas.

El constructivismo ruso buscaba comprometerse al socialismo buscando la creación de una nueva sociedad revolucionaria, esto a partir de la funcionalidad social del arte. Sus fines eran principalmente políticos y la publicidad era una buena herramienta para llegar al pueblo, de forma masiva. Trabajaban para eventos públicos y carteles para el gobierno de la revolución. Su estética se inspiraba en la maquinaria, en lo dinámico que enfatizaba y apoyaba los cambios e innovaciones tecnológicas.            

Se creó la “Ventana Rosta”, proyecto de información pública en donde participaron Vladimir Mayakovski y Alexander Rodchenko. Este último exploró con la fotografía que le permitía mostrar vistas inéditas de la vida cotidiana así como sensaciones nuevas e imágenes abstractas.

El constructivismo buscaba estar presente en la vida pública durante la revolución, fusionar el arte con el nuevo modo de vida. El fotomontaje y los encuadres abstractos muestran el interés por ir más allá de los hechos, buscaban verlos con ojos nuevos, perpetuarlos y modificarlos. Los nuevos medios tecnológicos eran una opción para esto, ir más allá teniendo en cuenta los avances en la física para tomar en cuenta el factor espacio-tiempo, gravedad, tensión etc. Sus construcciones visuales son casi matemáticas, muestran éstos fenómenos vinculados al pensamiento y a la vida.             

Se buscaban nuevos medios que impactaran para proponer un estilo de vida personal y social que trascendiera. Gustav Klutsis fue el que más utilizó los medios experimentales, tecnológicos para la propaganda. Instaló cabinas radiofónicas en las calles de Moscow. Grabadores de voz, megáfonos, pantallas y proyectores para dar un mensaje directo, composiciones dinámicas en donde las escalas y el espacio pueden ser distorsionados.

El mismo sentido de crear una nueva sociedad la tenían los futuristas. Adoraban la sociedad industrial, sus máquinas y velocidades. Pretendían dejar atrás todo el pasado y enfocarse en el dinamismo de su época y su imagen futura. También salieron a las calles a publicar su ideología, por medio de manifiestos y ocuparon la mecánica y las nuevas teorías de la ciencia. Experimentaron con el efecto estroboscópico (efecto óptico que se produce al iluminar mediante destellos.) El movimiento mecánico les interesaba llevarlo más allá al conocimiento y a la forma de vida.

Louigi Russolo planteó que la revolución industrial le dio al hombre moderno la gran capacidad de apreciar sonidos más complejos, pretendía olvidar la cuadratura musical clásica y crear un nuevo sistema musical en base a ruidos. Mencionaba que el sonido comienza a existir con las máquinas del siglo XIX, antes el mundo era callado. Creó instrumentos musicales llamados Intonarumori con un mecanismo básico que permitía controlar los tonos en diferentes ruidos. Estos instrumentos proporcionaron nuevos tipos de notación musical. Llegó a dar conciertos con orquestas de Intonarumoris. Estos sonidos eran puros, permitían sensibilizar el oído y escuchar los ruidos de la ciudad dados por hecho, intentan situarlos y fundirlos con la experiencia.

Multiplicar lo sensitivo a la vez que intentaban adaptarse a un nuevo mundo en crecimiento. El uso de tecnología se comenzó a usar para encontrar otra forma de sentir y percibir en contexto histórico, mundos más variados y complejos para complejizar los sentidos. Proyectarse en la visión de un mundo futuro.