No puedo con el Processing pero debo aceptar que me gusta lo que se puede lograr con él.
https://www.flickr.com/photos/golanlevin/sets/72157624387000146/with/4746504611/
lunes, 5 de mayo de 2014
Sobre "La invención de Morel"
Todo lo humano es inestable, la imagen no parece serlo del todo (ni humana ni inestable).En la invención de Morel el autor menciona que la imagen lo comprende todo y me pregunto ante esto ¿De qué forma la imagen nos puede hacer eternos?. Es cuestión de vida o muerte. Si las reproducciones de objetos son objetos, las reproducciones de seres vivos ¿serían reproducciones vivas?. Mi apatía me impide aceptar esta opción pero se que no es imposible. si fueran reproducciones vivas serían a través del espectador, nunca por si solas o no se.
En el texto el autor dice que "Solo habrá que buscar la conservación de lo que interesa a la consciencia" no el cuerpo completo, sólo los sentidos, algunos sentidos como un proceso propio de la memoria. Entonces la imagen se convierte en mera simulación de la presencia de algo más que se repite eternamente, sin cambios. Queda algo medio vacío, y pues, la imagen no quiere vacíos. Si lo que busca es extenderse a otros sentidos, a otros planos para contrarrestar ausencias y perpetuarse.
Este desarrollo de vagas ideas me ha llevado a pensar que la imagen es la continuación infinita de una simulación. No sé si demuestra más una ausencia o una presencia. En cuanto a medios digitales como video, audio, animación etc. se mostraría más la impresión de algo presente mientras que en la fotografía sería la ausencia. Es sólo una opción, no tengo cómo comprobarlo.
Eso habla de la imagen en general, pero cuando eres espectador de la imagen no es menos peligroso ¿Cuáles serán los peligros de mirar imágenes? Solo crea confusiones y más ilusiones. Identidades exteriores pero en otro plano, falsas si se cree que son del mismo mundo al que pertenecemos. Peligro constante de extraviarnos y pensar que pertenecemos al mundo de las imágenes o éstas al de nosotros.
Perpetuar algo incompleto pero perpetuar al fin, es más de lo que el humano puede lograr por si mismo.
En el texto el autor dice que "Solo habrá que buscar la conservación de lo que interesa a la consciencia" no el cuerpo completo, sólo los sentidos, algunos sentidos como un proceso propio de la memoria. Entonces la imagen se convierte en mera simulación de la presencia de algo más que se repite eternamente, sin cambios. Queda algo medio vacío, y pues, la imagen no quiere vacíos. Si lo que busca es extenderse a otros sentidos, a otros planos para contrarrestar ausencias y perpetuarse.
Este desarrollo de vagas ideas me ha llevado a pensar que la imagen es la continuación infinita de una simulación. No sé si demuestra más una ausencia o una presencia. En cuanto a medios digitales como video, audio, animación etc. se mostraría más la impresión de algo presente mientras que en la fotografía sería la ausencia. Es sólo una opción, no tengo cómo comprobarlo.
Eso habla de la imagen en general, pero cuando eres espectador de la imagen no es menos peligroso ¿Cuáles serán los peligros de mirar imágenes? Solo crea confusiones y más ilusiones. Identidades exteriores pero en otro plano, falsas si se cree que son del mismo mundo al que pertenecemos. Peligro constante de extraviarnos y pensar que pertenecemos al mundo de las imágenes o éstas al de nosotros.
Perpetuar algo incompleto pero perpetuar al fin, es más de lo que el humano puede lograr por si mismo.
La revolución de Burroughs
La revolución de Burroughs me pareció como una búsqueda desesperada contra lo reaccionario, contra la pasividad cotidiana. Busca la violencia para encontrar la verdad, el despertar de las pasiones y del ser humano en general. Sus medios son la tecnología, la imagen y la ciencia (Lo más fuerte para el control del ser humano). Presenta la palabra como virus, la imagen como virus que conforma un mensaje mayor que parasita el cuerpo, cambia su consciencia y a veces lo destruye. "Learn to speak with your mouth shut".
No estoy segura de si Burroughs busca la destrucción o solo la verdad.
El chiste es atacar a la mente con lo que quiere y no quiere saber, a la fuerza. No tener piedad. Me parece fascinante la comparación que hace con Adan, Eva y Dios, siendo Dios el resultado del virus en el individuo, la reacción. "Objective reality".
La imágenes que muestran al individuo lo que es, de qué está hecho, sus deseos más obscuros y profundos que detonan algo ya presente en el organismo pero que no estaba en funcionamiento. El virus debe contagiar para sobrevivir, para que después sea visto como parte del mismo organismo. "Virus make themselves real".
Pero ¿qué pasa con el "Plack back in location" que propone? El cambiar de contexto continuamente, crear conflictos con esto. En el texto dice que la clave está en esto, invadir, imponer en donde eso no ocurre normalmente. La acción se vuelve agresiva, intimidante. El descontextualizar vuelve invasivo y enfermo lo que no era, me imagino a la gente caminando en la calle, se encuentran con éstas imágenes, sonidos y videos preguntándose el por qué está eso ahí y por curiosidad y después morbo caen en la trampa. O quizá es algo que instintivamente su organismo, de la forma más primitiva, pide a gritos, peleándose con la consciencia para dar acceso a éstos mensajes.
Burroughs propone algo así como un collage en video, crear significados mediante la yuxtaposición, dar salidas diferentes sin respuesta específica a cada imagen. Con esto elimina por completo las líneas de asociación, osea la manera en la que entendemos la realidad. Lo que creemos y sabemos no vale nada aquí.
Hablando de la realidad, de cómo nos propone que se perciba esta realidad. Lo que muestran sus imágenes ¡es un exceso de vida? o por el contrario ¿es un alejamiento de ésta?. La realidad está en la pantalla o en la debilidad de nuestra consciencia ante lo que nos muestra? "Illusion is a revolutionary weapon that chance conciousness". Durante sus videos no hay más que el presente y el terrible conocimiento de lo que implica ser humano, de lo que es y podría ser. No hay salida aparente.
Será la verdadera realidad así?, sin líneas asociativas, sin significados precisos, así de invasiva y dolorosa?. Entonces el lenguaje es un velo que nos permite ver tan sólo una parte de todo eso como para protegernos de la verdadera experiencia.
No estoy segura de si Burroughs busca la destrucción o solo la verdad.
El chiste es atacar a la mente con lo que quiere y no quiere saber, a la fuerza. No tener piedad. Me parece fascinante la comparación que hace con Adan, Eva y Dios, siendo Dios el resultado del virus en el individuo, la reacción. "Objective reality".
La imágenes que muestran al individuo lo que es, de qué está hecho, sus deseos más obscuros y profundos que detonan algo ya presente en el organismo pero que no estaba en funcionamiento. El virus debe contagiar para sobrevivir, para que después sea visto como parte del mismo organismo. "Virus make themselves real".
Pero ¿qué pasa con el "Plack back in location" que propone? El cambiar de contexto continuamente, crear conflictos con esto. En el texto dice que la clave está en esto, invadir, imponer en donde eso no ocurre normalmente. La acción se vuelve agresiva, intimidante. El descontextualizar vuelve invasivo y enfermo lo que no era, me imagino a la gente caminando en la calle, se encuentran con éstas imágenes, sonidos y videos preguntándose el por qué está eso ahí y por curiosidad y después morbo caen en la trampa. O quizá es algo que instintivamente su organismo, de la forma más primitiva, pide a gritos, peleándose con la consciencia para dar acceso a éstos mensajes.
Burroughs propone algo así como un collage en video, crear significados mediante la yuxtaposición, dar salidas diferentes sin respuesta específica a cada imagen. Con esto elimina por completo las líneas de asociación, osea la manera en la que entendemos la realidad. Lo que creemos y sabemos no vale nada aquí.
Hablando de la realidad, de cómo nos propone que se perciba esta realidad. Lo que muestran sus imágenes ¡es un exceso de vida? o por el contrario ¿es un alejamiento de ésta?. La realidad está en la pantalla o en la debilidad de nuestra consciencia ante lo que nos muestra? "Illusion is a revolutionary weapon that chance conciousness". Durante sus videos no hay más que el presente y el terrible conocimiento de lo que implica ser humano, de lo que es y podría ser. No hay salida aparente.
Será la verdadera realidad así?, sin líneas asociativas, sin significados precisos, así de invasiva y dolorosa?. Entonces el lenguaje es un velo que nos permite ver tan sólo una parte de todo eso como para protegernos de la verdadera experiencia.
Acerca de Golan Levin.
Golan Levin explora las diferentes formas de lenguaje al combinarlas. En algunas de sus piezas como Messa di Voce y Audiovisual environment suite es como si imagináramos con la voz, pero no pláticas sino una realidad más allá del lenguaje. El humano puede crear su propia atmósfera , no necesita más que su presencia. Una extensión imposible del ser humano, una reproducción de si mismo, de forma abstracta, menos inmediata pero con más posibilidades. Muestra nuestra continua afectación del espacio por nuestra energía y vibraciones.Mostrar lo invisible.
Estratos de realidades, el cuerpo, la máquina, el producto de ambos. Tiene esa característica del performance de que cada presentación, en este caso interacción sea única. Improvisación, no necesitas más que tu cuerpo. En este aspecto el artista es generoso.
La experiencia directa, inmediata y lúdica diluye el arte y la vida.
Estratos de realidades, el cuerpo, la máquina, el producto de ambos. Tiene esa característica del performance de que cada presentación, en este caso interacción sea única. Improvisación, no necesitas más que tu cuerpo. En este aspecto el artista es generoso.
La experiencia directa, inmediata y lúdica diluye el arte y la vida.
martes, 11 de marzo de 2014
lunes, 3 de marzo de 2014
Influencias conceptuales y plásticas del minimalismo y pop art sobre los nuevos medios de crear arte.
En los años sesenta se comenzó a asimilar el uso de tecnologías y los medios de comunicación. El minimalismo y el pop art mostraban algunos de los primeros indicios de valores estéticos y conceptuales que ahora podemos experimentar en nuevos medios digitales. Sus creaciones no eran acerca de la experiencia personal y excluían lo pictórico y ficticio a favor de lo literal transformando el acto de ver en algo parecido a un espectáculo como ahora podrían ser las muestras de arte sonoro y luz, proyecciones en espacios y edificios etc.
En el pop art, por ejemplo, se utilizaban impresiones de imágenes repetitivas, la fotografía e imágenes producidas mecánicamente y en forma masiva incluían la imaginería de la cultura popular. "The independent group" formado en Londres en 1952 considerados los precursores del pop art, utilizaron los anuncios masivos, ciencia ficción y la tecnología en su trabajo. Si bien los medios digitales no siempre utilizan las imágenes comerciales si usan los medios de comunicación (televisión, radio, Internet etc.) como su medio de expresión para hablar de esos mismos medios, su lenguaje y su forma de comunicar o de otra cosa a partir de esos mismos lenguajes.
Otra corriente fue el minimalismo que fue uno de los primeros movimientos que involucraron la participación del espectador y su relación con el espacio. La esencia de las cosas y su identidad se mostraba eliminando todas las formas no esenciales, reducían al arte a la pura superficie, forma y afección del espacio por los objetos. La abstracción geométrica mostraba un primer acercamiento a estructuras matemáticas como lenguaje artístico.
Las esculturas minimalistas eran hechas con materiales industriales como metal, leds, plástico, materiales de construcción etc. Hablan de la industrialización, de la falta de personalidad, del espacio.
Ambos movimientos, el pop y el minimalismo se sirvieron de las tecnologías de los medios de comunicación al tiempo que exploraban las posibilidades culturales y estéticos de los mismos. Se centraban más en las ideas que en los objetos mismos los cuales creaban impersonalmente, sin sentimentalismos, los materiales eran efímeros para la memoria como los hechos modernos.
Así como el minimalismo y el arte pop hacían referencia a la cultura comercial a la vez que esa cultura estaba inmersa en sus creaciones, el arte producido con medios digitales trata las cuestiones sociales y estéticas del momento, hablan de la cultura comercial dominante que es el Internet y todos los factores de esta que se involucran y forman parte de nuestra percepción del mundo. La no linealidad de la información, la capacidad de establecer enlaces, crear nuevas realidades con nuevos medios.
En el pop art, por ejemplo, se utilizaban impresiones de imágenes repetitivas, la fotografía e imágenes producidas mecánicamente y en forma masiva incluían la imaginería de la cultura popular. "The independent group" formado en Londres en 1952 considerados los precursores del pop art, utilizaron los anuncios masivos, ciencia ficción y la tecnología en su trabajo. Si bien los medios digitales no siempre utilizan las imágenes comerciales si usan los medios de comunicación (televisión, radio, Internet etc.) como su medio de expresión para hablar de esos mismos medios, su lenguaje y su forma de comunicar o de otra cosa a partir de esos mismos lenguajes.
Otra corriente fue el minimalismo que fue uno de los primeros movimientos que involucraron la participación del espectador y su relación con el espacio. La esencia de las cosas y su identidad se mostraba eliminando todas las formas no esenciales, reducían al arte a la pura superficie, forma y afección del espacio por los objetos. La abstracción geométrica mostraba un primer acercamiento a estructuras matemáticas como lenguaje artístico.
Las esculturas minimalistas eran hechas con materiales industriales como metal, leds, plástico, materiales de construcción etc. Hablan de la industrialización, de la falta de personalidad, del espacio.
Ambos movimientos, el pop y el minimalismo se sirvieron de las tecnologías de los medios de comunicación al tiempo que exploraban las posibilidades culturales y estéticos de los mismos. Se centraban más en las ideas que en los objetos mismos los cuales creaban impersonalmente, sin sentimentalismos, los materiales eran efímeros para la memoria como los hechos modernos.
Así como el minimalismo y el arte pop hacían referencia a la cultura comercial a la vez que esa cultura estaba inmersa en sus creaciones, el arte producido con medios digitales trata las cuestiones sociales y estéticas del momento, hablan de la cultura comercial dominante que es el Internet y todos los factores de esta que se involucran y forman parte de nuestra percepción del mundo. La no linealidad de la información, la capacidad de establecer enlaces, crear nuevas realidades con nuevos medios.
John Cage, investigación y reseña crítica sobre "Digital art"
John Cage fue un músico que prefirió la experimentación sobre la composición, escribió en 1937 una especie de manifiesto acerca de su obra personal "The future of music, Credo" en el que estableció al siglo XX como el siglo de la máquina, le dio la mayor importancia a los ruidos de la vida urbana y a los nuevos inventos tecnológicos. Pensaba que la música debía responder a esos cambios y descubrir la naturaleza de esos ruidos. Al igual que Luigi Russolo, pero con una intención más cercana a lo espiritual, John Cage usaba los sonidos urbanos en sus piezas, le desagradaba esa propensión a organizar el sonido. Cage no tenía nada que ordenar ni armonizar. Buscaba la pureza auditiva y consideraba al arte como un fin terapéutico en donde la aceptación de lo real y cotidiano eran la forma para trascender en y con el mundo. Recurrió al uso del azar para evitar toda intención personal en sus sonidos.
Cage nos mostró cómo la imaginación surge después y como resultado del arte, no utiliza ni la imaginación ni la memoria como medio. Crea un puente que va de lo real inmediato y cotidiano a la contemplación espiritual. Estos aspectos están presentes en su obra "Imaginary Landscape No. 4" en la que experimentaba con la frecuencia y volumen de doce radios. No se escuchaba la radio, lo que se presentaba a los oídos era la pura frecuencia y sonido en bruto al igual que la capacidad del hombre para controlar ciertos aspectos sin la intención de manipularlos ya que depende de elementos aleatorios imposibles de repetir exactamente igual; influye el lugar y la hora, el tiempo y el espacio. Caminos únicos para llegar a la información, conocimiento y apreciación de la vida diaria con los sentidos renovados.
La que es posiblemente su pieza más famosa "4:33" muestra la mezcla de sonidos y silencios como la forma básica de toda composición. Con esta pieza elimina toda jerarquía posible, lo único que se necesita y al final lo único que se tiene es la disposición para escuchar los sonidos que producía la misma apreciación de la pieza.
La necesidades más primitivas del ser humano se hacían evidentes permitiendo la creación de un hombre nuevo, puro. A través de la asimilación de la experiencia se pueden crear y conocer nuevas realidades. Entender y aceptar, flujo constante de experiencias. Caos, silencio y ruido se hacen presentes, las hacemos posibles con nuestra sola existencia. No se necesitaba más para poder escapar de la condición humana fría y falsa; para la transformación de los sentidos y revolucionar las mentes. Primero una transformación personal, luego la realidad. Se trata de percibir de nuevo, llegar al estado espiritual del hombre con los elementos diarios.
En una ocasión tocó la pieza "Vexations" ochocientas cuarenta veces seguidas con el pretexto de que así se refinaría la sensibilidad auditiva a través de una repetición que tranquiliza, que hace asimilables las situaciones. En 1952 John Cage participó en el primer happening llevado a cabo en el Black Mountain College. Una combinación de experiencias artísticas no planteadas mas si experimentadas de una forma pura y sincera.
John Cage buscaba eliminar la distinción entre arte y vida apreciando cada uno de los ruidos que conforman el trasfondo sonoro de la existencia, el arte nos ofrece la posibilidad de una correcta asimilación del entorno para poder seguir viviendo pero libres de toda idea no experimentada; a través de su obra podemos crear nuestras propias ideas y borrar todo pasado, concepto y teoría. Una relación con el mundo basada en la experimentación que permite el autoconoscimiento y la transformación individual.
Cage nos mostró cómo la imaginación surge después y como resultado del arte, no utiliza ni la imaginación ni la memoria como medio. Crea un puente que va de lo real inmediato y cotidiano a la contemplación espiritual. Estos aspectos están presentes en su obra "Imaginary Landscape No. 4" en la que experimentaba con la frecuencia y volumen de doce radios. No se escuchaba la radio, lo que se presentaba a los oídos era la pura frecuencia y sonido en bruto al igual que la capacidad del hombre para controlar ciertos aspectos sin la intención de manipularlos ya que depende de elementos aleatorios imposibles de repetir exactamente igual; influye el lugar y la hora, el tiempo y el espacio. Caminos únicos para llegar a la información, conocimiento y apreciación de la vida diaria con los sentidos renovados.
La que es posiblemente su pieza más famosa "4:33" muestra la mezcla de sonidos y silencios como la forma básica de toda composición. Con esta pieza elimina toda jerarquía posible, lo único que se necesita y al final lo único que se tiene es la disposición para escuchar los sonidos que producía la misma apreciación de la pieza.
La necesidades más primitivas del ser humano se hacían evidentes permitiendo la creación de un hombre nuevo, puro. A través de la asimilación de la experiencia se pueden crear y conocer nuevas realidades. Entender y aceptar, flujo constante de experiencias. Caos, silencio y ruido se hacen presentes, las hacemos posibles con nuestra sola existencia. No se necesitaba más para poder escapar de la condición humana fría y falsa; para la transformación de los sentidos y revolucionar las mentes. Primero una transformación personal, luego la realidad. Se trata de percibir de nuevo, llegar al estado espiritual del hombre con los elementos diarios.
En una ocasión tocó la pieza "Vexations" ochocientas cuarenta veces seguidas con el pretexto de que así se refinaría la sensibilidad auditiva a través de una repetición que tranquiliza, que hace asimilables las situaciones. En 1952 John Cage participó en el primer happening llevado a cabo en el Black Mountain College. Una combinación de experiencias artísticas no planteadas mas si experimentadas de una forma pura y sincera.
John Cage buscaba eliminar la distinción entre arte y vida apreciando cada uno de los ruidos que conforman el trasfondo sonoro de la existencia, el arte nos ofrece la posibilidad de una correcta asimilación del entorno para poder seguir viviendo pero libres de toda idea no experimentada; a través de su obra podemos crear nuestras propias ideas y borrar todo pasado, concepto y teoría. Una relación con el mundo basada en la experimentación que permite el autoconoscimiento y la transformación individual.
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