opinión del curso

Mi opinión acerca del curso.

Creo que fue bueno, no por elogio, es sólo que yo no sabía absolutamente nada de la fotografía al entrar y creo que el curso si logro darme las bases y técnicas necesarias. Me agradó bastante la parte teórica, todos los libros que nos dejaron leer tenían algo que en lo personal me interesaba.
Me hubiera gustado poder tener diálogos en el salón acerca de estos libros y que fuera mas largo (la duración del curso) aunque se que no se puede cambiar eso. Me gustó la experiencia que tuve con cámara analógica, aunque claro, con digital todo hubiera sido más fácil.
En general me pareció un buen curso, me hubiera gustado poder aprovecharlo mas.
Creo que es todo.

HDR

Reseña de la exposición de Fotoperiodismo en el Museo Universitario del Chopo

Agrandes rasgos, la exposición contiene las “mejores” fotografías de la prensa mexicana tomadas el año pasado, de lo más evidente, gran parte de la exposición  abarca noticias como el narcotráfico y de contenido amarillista, lo cual no me desagradó, pero tampoco llamó del todo mi atención.

A mi parecer de lo más atractivo, en cuestión técnica, motivo y gusto personal fue la serie de Juegos Panamericanos de Héctor Vivas, que salía mucho de tono con lo que engloba la exposición, al principio pensé que se trataba de imágenes a blanco y negro, pero al observar detenidamente vi que se trataba de imágenes a color en tonos muy oscuros, y a pesar de que la imagen estaba muy tratada no se veía fingida ni pretenciosa.

El acto fotográfico, Dubois.

El libro comienza explicando que la fotografía es resultando tanto de un hacer como de un saber-hacer (imagen-acto). La fotografía no sólo incluye el acto de la toma, también de su recepción y contemplación.
Según Dubois la fotografía no muestra otra cosa mas que las propias condiciones de aparición y recepción.

Me gusta cuando menciona que hay una "pérdida progresiva" de la definición de la imágen, una disolución del sujeto por y en el acto de fotografiar.
Menciona tres maneras de acercarse a la fotografía:
La primera es como espejo de lo real. El discurso de la mímesis. La fotografía es percibida como una prueba que atestigua sin duda alguna que lo que se ve existió.La fotografía también es considerada masivamente como una imitación perfecta de lo real. La imagen es automática, objetiva y natural. nos da seguridad. también se menciona en esta parte que la fotografía como espejo de lo real va en contra de lo que se considera la "habilidad manual" del artista (foto vs obra de arte).
Después viene la fotografía como transformación de lo real. (El discurso del código y la deconstrucción) Aquí se ve a la fotografía como un simple efecto, es un medio de interpretación.
Por último la fotografía como huella de lo real (la referencia, index.) Es el "proceso de atribución", se adhiere al referente.

Me interesó mucho cuando menciono que como la fotografía es el mejor medio para representar la mímesis se usa para las funciones sociales y utilitarias, al ocupar estos campos la fotografía logra liberar a la pintura y hace que pueda constituir su misma esencia. Gracias a la fotografía la pintura puede quedarse con la investigación formal, se libera  de lo concreto, real. 

El acto de fotografiar es uno de los temas principales del libro, Imagen- acto que ocurre en el momento de disparar. La fotografía esta en un espacio-tiempo hay una realidad seleccionada. Dubois nos dice que la fotografía es algo que no se puede concebir fuera de sus circunstancias.

Hacia una filosofía de la fotografía Flusser

Flusser nos acerca a la fotografía mostrando el papel que juega en la sociedad y como en esto influye la misma cámara.
Las imágenes que deberían representar al mundo llegaron al grado de sustituirlo. Actuamos en base a ellasy nuestros modelos de vida son las imágenes.
Las imágenes llegaron a sustituir a los textos, con eso la forma en la que nos comunicamos y cómo funciona el mundo en general también cambió. El sentido de posesión ya no es tan fuerte, si podemos decir que aún queda un poco, cuando lo que se intercambia ya no son los objetos si no la información.

Las imágenes técnicas son una forma de poder, ya sea desde los medios de comunicación, la política o la fotografía artística, en todas el fotógrafo tiene el poder sobre los que miran las fotografías, manipulan las imágenes para lograr una conducta específica que de alguna manera los beneficie.
En relación con esto, Flusser menciona que la fotografía elimina nuestra libertad y sentido de crítica, nos imponen ideas y es aquí en donde todo el mundo se rige a través de las mismas imágenes las cuales programan a la sociedad para una conducta específica las fotografías son parte del sistema.

Las imágenes funcionan como medio común para el arte, la ciencia, política etc.., estas son aceptadas como verdades, confiamos en ellas, las distribuimos por su moral, por sus valores casi siempre aceptados, correctos. El poder compartir estas imágenes casi sin limitaciones hace que se vuelvan modelos de experiencia y conocimiento.

Cuando habla de los aparatos menciona que son un factor que determina las condiciones del mundo, su presente y futuro. Se refiere a que cuando se crea el aparato, la actitud de los consumidores hacia él determinan lo que se necesita para mejorarlo. "Utiliza a la sociedad como retroalimentador para un continuo mejoramiento de los aparatos."

La constante lucha de los fotógrafos son principalmente con los medios de comunicación y con la cámara.
Los medios de comunicación codifican el significado final de la fotografía y las intenciones del fotógrafo funcionan de acuerdo al programa de la cámara. Según Flusser un buen fotógrafo es el que puedo dominar a la cámara, sacar algo nuevo de ella para lo que no este programada.

Cuando se crearon las herramientas, estas estaban en función del hombre y lo imitaban, después de la revolución industrial, los hombres comenzaron a estar en función de los aparatos. Los hombres están limitados por la cámara en cuanto a su programa y también en cuanto al mensaje de la fotografía, las imágenes que se producen imponen ideas vacías las cuales generan una conducta social y convertimos estas ideas en nuestros modelos de vida,entonces todo lo que conocemos de las imágenes no es nuestro, no es nuestra manera de concebir ideas y al mundo en general.

fotografías de objetos traslúcidos.

Fotografías de Ariadna San Vicente, Marcela Montiel y Elizabeth Moreno.

La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica, Walter Benjamin.

La obra de arte y lo que la establece como tal están ligadas a la sociedad, sus transformaciones y por supuesto su historia.
Lo que definía una obra de arte, como su autenticidad, ya no pueden ser válidas. Los cambios surgidos en la sociedad como el Capitalismo, la producción en serie, apertura de mercados etc.. hacen que la producción en masa, la presencia masiva, tengan más peso que la autenticidad.
Esto provoca una separación entre el arte tradicional y las nuevas artes. La primera caracterizada por el culto hacia algo o alguien, creo que ya no se puede rendir culto tan fácil cuando todo puede ser desechado y sustituido tan fácilmente y sin remordimiento. Las nuevas artes (como se les llama en el libro) se caracterizan más por su valor exhibitivo que esta en primer plano.

Nuestra forma de interpretación cambia, no puede ser la misma que antes por que nuestros paradigmas también cambian junto con la historia, que la sociedad crea y de la cual solo no podemos desprendernos. Vemos la obra de arte diferente, nuestra relación con ella es diferente.

Aunque por los medios de comunicación el arte puede llegar mas fácilmente al espectador, parece estar más lejos.Con la reproductibilidad técnica se pierde la autenticidad, su propia autoridad.
La obra de arte esta siempre atada a su aquí-ahora, a dónde se supone "pertenece" y cuando no hay unicidad pierde su esencia y su sentido.
La autenticidad deja de ser la norma para que algo se considere arte, y con eso se transforma por completo la percepción y la función del arte.

Vivimos en una época en donde las transformaciones, cambios y "avances" nos invaden, en dónde las imágenes sustituyen nuestro pensamiento y la mayoría de las veces como forma de imposición. El espectáculo esta por doquier y somos parte de él.

La cámara lúcida

La cámara lúcida
Roland Barthes.


La fotografía puede repetir las veces que sea lo que ya no está, tan fácil. Nos hace recordar lo que ya no puede existir, sustituye la vida del objeto y la muestra.
Creo que nos sentimos seguros de lo que las fotografías nos hacen recordar, por que como mencionan en el libro, la fotografía es el único medio que nos da la seguridad de que lo que vemos existió. A veces se confía más en los recuerdos fotográficos que de nuestra propia memoria, nosotros podemos olvidar cosas o modificarlas sin querer, dudar, pero la fotografía no se equivoca. Lo que ves "fue".
También nos da la certeza de que alguien vio el referente al momento de tomar la foto, lo cual puede ser tranquilizante para muchos, saber que no somos los únicos que vemos eso, asegurarnos de que al ser visto por otros no alucinamos.

A pesar de que la fotografía puede mentir en cuanto al sentido de lo fotografiado, y aunque sea una imagen compuesta (si así puede llamarse la fotografía que en vez de esperar crea el momento, lo actúa.)jamás podrá mentir en cuanto a la existencia del referente.
A mi me da un gran alivio (inconsciente) tener la certeza de que lo que veo si existió aunque sea falso lo que quiere mostrar, que nadie me esta engañando.

Me interesó el hecho de que la fotografía siempre lleva el referente consigo, sin él no hay foto. Estamos de cierta manera obligados a mirar, entender e interpretar lo que vemos. Sentimos una identificación entre lo que conocemos y lo que vemos, creo que esto es a lo que se refiere el autor cuando habla del "parecido"que  esta conformado por la identidad del sujeto. De ahí puede surgir el punctum.
El punctum es el detalle que "punza", ese detalle que identificas con algo personal, que viene de la experiencia, del recuerdo y toma un papel principal en la fotografía.
Sin experiencia no puede haber punctum, lo que ves se queda en la idea general, sin perturbar nuestros sentidos (studium). El punctum es lo que nos hace notar y percibir el referente, ya está en la foto y la experiencia personal se encarga de resaltarlo.

Mencionan que la fotografía tiene dos vías posibles, una es la de las ilusiones perfectas que cuentan con un código civilizado en el que la pose hace del referente tan sólo una imágen, se presta al "juego social". Al ser tan sólo una imagen no puede haber punctum por que la foto no nos remite a nada más que lo que se ve. Tal es el caso de la pornografía o el periodismo, en estos casos la mirada se basa en una estética social impuesta.
La otra vía de la fotografía es en donde encontramos el tan famoso punctum, cuando se descubre la escencia de lo fotografiado al no darle importancia. Una foto más sincera, sin máscaras. Es en este tipo de fotografía en donde se puede llegar a profundizar.

técnicas antiguas de impresión fotográfica.

Técnicas antiguas de impresión fotográfica.

Daguerrotipo:

El daguerrotipo es un proceso por el cual se obtiene una imagen en positivo a partir de una placa de cobre recubierta de yoduro de plata. Tras ser expuesta a la luz, la imagen latente se revelaba con vapores de mercurio, que daba como resultado una imagen finamente detallada con una superficie delicada que había de protegerse de la abrasión con un cristal y sellarse para evitar que se ennegreciera al entrar en contacto con el aire.

El daguerrotipo fue el primer proceso fotográfico de aplicación práctica, presentado por François Arago en la Academia de Ciencias de París el 19 de agosto de 1839. Este procedimiento, que fue uno de los más importantes hitos de la historia de la fotografía técnica, fue un perfeccionamiento de los experimentos emprendidos por Nicéphore Niépce, a quien Louis Jacques Mandé Daguerre se unió en diciembre de 1829.

Inicialmente, el proceso de Daguerre no era excesivamente sensible a la luz, y el tiempo de exposición podía llegar a ser de hasta 30 minutos, pero tras los considerables avances logrados en Austria, Inglaterra y Estados Unidos, los tiempos de exposición se redujeron, y a comienzos de la década de 1840 la mayor parte de las capitales y grandes ciudades europeas tenían por lo menos un estudio de retratos y los fotógrafos ambulantes recorrían las ciudades más pequeñas.

Uno de los principales inconvenientes del procedimiento era que cada imagen era única, a diferencia del calotipo de William Henry Fox Talbot, con el que podían realizarse multitud de copias positivas partiendo de una imagen negativa inicial. A mediados de la década de 1850 el daguerrotipo estaba casi obsoleto, pues el proceso del colodión húmedo sobre placa de cristal combinaba la finura de detalle del daguerrotipo con la facilidad de reproducción del calotipo.

Calotipo:

El calotipo era un procedimiento fotográfico que consistía en utilizar un papel negativo a partir del cual podía obtener un número ilimitado de copias.

El 8 de febrero de 1841, Talbot presentó en Westminster una solicitud de patente para su procedimiento mejorado. Se trata un papel con nitrato de plata y yoduro de potasio. Inmediatamente antes de exponerlo a la luz, se vuelve a sensibilizar este papel con una solución de nitrato de plata y de ácido gálico. Después de la exposición a la luz (entre uno y cinco minutos), se forma una imagen visible apenas. El negativo, una vez seco, se revela con nitrato de plata y ácido gálico y se fija con hiposulfito. Luego el papel se vuelve transparente mediante un baño de cera derretida. Con este "negativo" se saca un "positivo" por contacto sobre un papel idéntico, preferiblemente papel salado, sensibilizado con nitrato de plata.

Con este procedimiento se resolvía el paso del negativo al positivo, que implicaba la posibilidad de obtener de un solo negativo cuantas copias se quisiesen. Por aquel entonces, Talbot no supo medir la importancia de su método, porque sólo buscaba una imagen positiva única. Lo bautizó con el nombre de calotype (del griego "kalos", bello)

El calotipo no tuvo mucho éxito al principio, ya que la nitidez del daguerrotipo era preferida por el público, pero eso no le quitó adeptos. Pronto el tiempo de exposición pasaría de 30 minutos a 30 segundos.

Así pues, si bien Talbot no consiguió pasar a la historia como el padre de la fotografía, sí lo hizo como inventor del proceso negativo-positivo, que es el que finalmente llegaría hasta nuestros días y que, en definitiva, una vez perfeccionado convenientemente, supuso la base de la fotografía contemporánea.

Ambrotipo:

El ambrotipo es una técnica de fotografía húmeda que usa como base el Colodión.

Descubierta en 1852 por Frederick Scott Archer y Peter Fry, sutituyó rápidamente al daguerrotipo, por ser más rápido y económico.

Esta técnica requiere hacer todo el proceso (cubrir, sensibilizar, revelar, fijar y lavar) en el sitio donde se toman la fotografías.

Ferrotipo:

El ferrotipo (también denominado "tintype") es una técnica fotográfica inventada en 1852 por el fotógrafo y profesor francés Adolph Alexandre Martin (1824-1896).

Al igual que en el daguerrotipo, la imagen se fijaba en una placa de metal expuesta en la cámara, pero el metal era hierro en lugar de cobre. Esta placa se laqueaba con barniz japonés negro o café en lugar de plata. La placa de metal del ferrotipo se sensibilizaba con colodión y nitrato de plata antes de la exposición en la cámara. El ferrotipo, negativo en su formación química, aparecía como positivo debido a la placa negra.

Los ferrotipos fueron considerados como una variación barata del ambrotipo. Hasta 1865 se colocaban en estuches similares a aquellos de los daguerrotipos y de los ambrotipos y a partir de esta fecha simplemente se insertaban en sobres de papel con una ventana recortada al tamaño de la imagen. 

Durante la Guerra Civil norteamericana la popularidad de los ferrotipos se expandió por la facilidad para tomar las imágenes y por su resistencia a los maltratos del correo. Durante el siglo XIX las fotografías producto de este proceso se habían convertido en una especie de arte popular que presentaba a personajes en poses informales y, en ocasiones, hasta humorísticas.
Los ferrotipos nunca alcanzaron la calidad de la imagen contenida en los daguerrotipos.

Colodión: El escultor y fotógrafo Sir Frederick Scott Archer propuso a la revista inglesa The Chemist, en marzo de 1851, el método del colodión perfectamente experimentado. El colodión, conocido también como algodón-pólvora, es una clase de explosivo cuya base es la celulosa nítrica.

Frederick Scott Archer puso unas planchas de cristal húmedas al utilizar colodión, en lugar de albúmina como material de recubrimiento, para aglutinar los compuestos sensibles a la luz. Estos negativos debían ser expuestos y revelados mientras estaban húmedos. Los fotógrafos precisaban de un cuarto oscuro cercano, para poder disponer de las planchas antes de la exposición y revelarlas de inmediato.
Este gran descubrimiento representaba un paso importante y decisivo en el desarrollo de la fotografía, al acercarse a la imagen instantánea con una exposición 15 veces inferior a la del daguerrotipo más perfeccionado. Pero lo más relevante fue su aplicación sobre diversos soportes, además del vidrio, como el cuero, el papel, el fierro, otros plásticos y cerámicas.

Resumen del libro Después de la fotografía de Fred Ritchin

El libro trata del cambio de la fotografía análoga a la digital, y a todos los nuevos medios de comunicación. Cómo esto ha cambiado el significado de la fotografía, su relación con la realidad y los nuevos usos de la misma. ¿Qué pasa cuando ya todos tienen cámara en sus celulares? y cuando ya no es necesario de museos para mostrarlas?.

Los medios de comunicación actuales nos obligan a vivir con percepciones y expectativas en constante movimiento, nos dan sentido del tiempo y noción de comunidad (identidad, tal vez).
Los medios de comunicación se usan como estrategias del cambio social en dónde los objetos son transformados en deseos con la publicidad.
La fotografía digital se puede manipular, juntar con otras, agregarles o quitarles información (Photoshop); crea nuevas realidades. Se manipulan a fin de que la imágen se convierta en en lo que el consumidor decida, incluso nosotros nos volvemos como autos o cualquier otro producto del mercado que pasamos de un estado físico a convertirnos en la "fascinación de la imágen".

El autor plantea varios problemas a esta capacidad de manipulación de la fotografía e indirectamente de lo que consideramos real: La fotografía manipulada puede crear nuevas realidades, pero ahora es dificil distinguir esas realidades creadas del mundo real, vivimos en el mundo de la fotografía. "La preminencia de la imágen por encima de la existencia que se supone representa".
Se borra la experiencia y lo que permanece es la imágen, y es lo que creemos  real.
Las fotos de personas, al ser modificadas, físicamente "mejoradas"para dar la apariencia deseada, se convierten  en significantes sociales, se pierde el significado con lo fotogénico.
Estas manipulaciones, nuevas realidades, se han utilizado para manipular al público con fines políticos y comerciales para mostrar la realidad creada y que sea la única aceptada. Al ver lo que otros ven, formamos parte de una percepción colectiva.

Otra consecuencia de la digitalización de la fotografía es que el papel del fotógrafo se vuelve cada vez menos trascendente, por que al final la imágen se manipulará y cambiara el significado, si no por completo, si considerablemente. Se muestra lo que se desea y no lo que es en realidad.

La fotografía digital rompe con la unión fotografía-realidad, el ver ya no equivale a creer. Ya no se muestra como referente, si no como anhelante. Le da forma al mundo que pretende representar.

El autor habla de cómo las imágenes digitales y el internet pueden ser útiles y más exploratorias en cuanto a contenido.
Los nuevos medios nos pueden ayudar a entender el mundo e intervenir en su evolución por que estimulan otras lógicas, su lectura no es lineal como en los periódicos y otros sitios informativos, son interactivos y la información se puede complementar con medios diferentes.
Por medio de periódicos digitales y otros sitios de internet se pueden mostrar fotografías acompañadas de hipervínculos que permitan conectarse con ideas, eventos, imágenes etc.. que antes se consideraban como externas. Esto permite darle al público otro tipo de lectura con más posibilidades, dando oportunidad a que surgan nuevas y diferentes opiniones que ayuden a ahondar más en el contenido de dicha imágen.

La fotografía también funciona para "delinear las prioridades de la sociedad" estando presente en guerras, hambrunas, eventos políticos etc... el problema de esto surge cuando invadidos de tantas imágenes iguales, cada vez más violentas y directas, se crea una disminución en la reacción ante ellas. El autor lo denomina cómo "Turismo de la violencia" en donde la fotografía obtiene un rol de espectáculo.

La fotografía digital no puede leerse como antes, ya no es cómplice de la realidad. Ya no son únicamente los fotógrafos profesionales los que producen contenido.
Nos muestra que "la realidad no tiene una única verdad".

Profundidad de campo

Ejercicio de profundidad de campo.
cámara: Cannon F1
Lente: 50mm.
ASA 100

f 1.4,  60(obturación)
Enfoqué la lata de en medio, todo lo demás esta borroso.

f 2,  30(obturación)
Al cambiar el diafragma se empezó a abrir la profundidad de campo haciendo un poco menos borrosas las otras latas.

f 2.8,  15(obturación)
Entre menos apertura obtengo más profundidad de campo.

f 4,  8(obturación)
Las letras de las latas de los extremos empiezan a definirse un poco más.

f 5.6,  4(obturación)

f 8,  2(obturación)

f 11,  1(obturación)
Casi toda la imágen esta en foco.

f 16,  2(obturación)
Toda la imágen es nítida.

f 22,  4(obturación)






CONCLUSIONES:
Entre más cerraba el diafragma la imágen se volvía mas nítida, las latas se hacían más nítidas.
Cuando el diafragma esta totalmente abierto (f 1.4) la profudidad de campo es casi nula.
La profundidad de campo es inversamente proporcional a la apertura del diafragma.

Ejercicio del periódico.

Cámara: Cannon F1
Lente: 50 mm.

f 1.4,  8(obturador)
No hay casi nada en foco.

f 2,  4(obturador)
La imágen esta más nítida, en especial los títulos grandes.

f 2.8,  2(obturador)
Todo se ve nítido, se pueden apreciar los detalles del periódico.

f 4,  1(obturador)
Todo sigue en foco, la imágen se obscurece un poco al igual que en las próximas tres fotografías.

f 5.6,   2(obturador)

f 8,  4(obturador)

f 11,  8(obturador)
La imágen esta muy clara, se hizo un poco más brillante.

f 16, 16seg(obturador)B
Es una de las mejores, todo se ve claramente.

f 22,  32 seg.(obturador) B
Se pierde nitidez en la imágen.







CONCLUSIONES:
A partir de f 2.8 la zona de enfoque empieza a crecer, en f 5.6 ya abarca casi toda toda la imágen.
En f 8, 11, 16 la cámara tiene enfocada toda la imágen, las letras se ven muy nítidaz.
En f 22 la imágen pierde enfoque y se ve borrosa como en f 1.4 y 2.
La cámara tiene una buena resolución en f 5.6, 8, 11 y 16.

Reseña del libro: Sobre la fotografía de Susan Sontang.

Reseña del libro: Sobre la fotografía de Susan Sontang.
El libro es una descripción acerca de varios temas de la fotografía como el uso que tiene ésta en la sociedad, el papel de los fotógrafos, la industrialización de la fotografía, etc.
La fotografía tiene una supuesta veracidad, le da realidad a las experiencias a ojos de otros justificando que algo pasó y estuvimos presentes, es un código visual en donde lo que es digno de verse es fotografíado y de alguna manera se apropia del objeto.
El fotógrafo tiene una necesidad de saber y conocer, abarcar todos los temas y ese conocimiento funciona como poder, poder sobre lo que es fotografiado (posesión de un espacio).El fotógrafo puede sentirse integrado al mundo con la apariencia de participación y dominio de la situación que la fotografía le permite sentir.
Las fotografías son consideradas trozos de realidad, pero estas también pueden mentir,el fotógrafo puede modificar o condicionar la verdad que quiere mostar, puede decidir la apariencia de la imagen a través de lo "fotogénico", como se menciona en el libro.
Antes de que la fotografía fuera industrializada no tenía un uso social y por lo tanto no era considerado arte, después de ésta las cámaras se volvieron accesibles, las fotografías acumulables y la posibilidad del medio se incrementó. La fotografía logro considerarse arte, aunque no es su único uso, también puede haber fotografías familiares, de viajes o como suministro de información. Las fotografías de los viajes me parecieron un buen ejemplo, cómo un turista al impresionarse de lo que ve, siente la necesidad de tomar una foto para que de alguna manera pueda apropiarse de lo que vió, del momento. La fotografía al registrar lo que inevitablemente desaparecerá siempre va cargada de nostalgia, me gustó la ironía con la que mencionan que la fotografía tiene algo de patetismo por contemplar tiempos idos, aunque las distancia social y temporal incrementa nuestro interés hacia ellas.
Menciona algunos géneros fotográficos como la foto de moda en la cual se idealizan los modelos, siendo más bellos en la fotografía que en la vida real, y el fotoperiodismo en donde registrar implica la no intervención.
Me gustó cuando comparan la fotografía con la pintura ( por que me gusta mucho la pintura) y mencionan los conflictos que hubo entre estos dos medios, cómo la fotografía fue juzgada por normas de la pintura y cómo la pintura tuvo que cambiar para dejar atrás el realismo que la fotografía ya manejaba, al final los dos medios se veían influenciados mutuamente.
La fotografía logró dar a conocer nuevas convenciones acerca de lo bello, nuevas maneras de mirar lo ya conocido. Disfruté mucho las páginas en donde hablan de Diane Arbus, ya conocía su trabajo pero lo que se menciona en el libro me hizo tener una nueva manera de ver y entender sus fotografías.

Reseña del video The Impassioned Eye.

Reseña del video The Impassioned Eye.
El video muestra varias de las fotografías hechas por Henri Cartier-Bresson acompañado de comentarios y opiniones de varios fotógrafos incluyendo al mismo Cartier-Bresson. Mencionan cosas importantes para la fotografía, más bien para los fotógrafos, los cuales dicen y me parece correcto están interesados en todo, esperan el momento decisivo cuando "el fotógrafo reconoce la forma" sienten y después hacen la foto, captando el "momento que viene justo después del movimiento".
También mencionan el uso de la fotografía en la sociedad utlizando una palabra que me pareció especialmente interesante "sociorealista"; cómo las fotografías de Cartier-Bresson pueden mostar la sustancia de la sociedad americana.
Me llamó la atención cuando mencionaron que en la fotografía no es necesario saber mucho, con el simple "hecho de observar".
Para Bresson la fotografía es instantánea, constructiva, con geometría y estructura; la considearaba como una nueva manera de ver, por el placer puro de la forma.
Pienso que los fotógrafos y las personas que participaron en el video hablaron no tanto en el papel de críticos como de espectadores sensibles a las fotografías de Cartier-Bresson, decían lo que les provocaban, recordaban y cómo veían sus fotografías llenas de significado junto con la emoción del sujeto y la "belleza del todo".

la fotografía

Para mi la fotografía es un medio visual que puede tener a casi cualquier cosa, lugar o persona como modelo, nos hace ver la realidad de una manera completamente diferente de lo que acostumramos haciendo más interesante a nuestra vista lo que podemos ver diariamente. Es un medio que facilita la comunicación de otras culturas y épocas nunca dejando de lado la expresividad.

Foto I

Equipo:
Cámara Análoga de lentes intercambiables. Canon

Experiencia con la fotografía:
Ninguna en la practica.

Mis expectativas:
Aprender las técnicas de luz, encuadre, etc. y poder hacer uso correcto de mi cara. Saber que  papel juega la fotografía en la actualidad.